EP:4 Mejores Directores de Fotografía

Raoul Coutard 

Francés, recientemente fallecido, empezó como fotógrafo, y es conocido por ser el director de fotografía de la Nouvelle Vague, uno de los mayores referentes, solía trabajar principalmente con uno de los cineastas por excelencia de este movimiento, Jean-Luc Godard, aunque también trabajó con otros grandes de la Nouvelle Vague, como Truffaut.

Lo mas asombroso de este director de fotografía es que adaptó la forma de hacer películas de una forma muy acorde a lo que ha supuesto la forma de hacer cine según el movimiento de la nueva ola francesa. Grabar los interiores sin apenas utilizar luz artificial, si no del exterior, por lo tanto utilizar lo menos posible lugares internos con menos luz. Crear una fotografía realista, con una libre movilidad de cámara hacia donde se encontraba la acción, si se requería un soporte de cámara para apoyarla se utilizaba algo casero, una mesa o algo similar y para mov como travellings no se montaban extensas y aparatosas vías por donde circular la cámara si no simplemente el propio Coutard rodaba la escena con la cámara al hombro y sentado en una silla de ruedas. Visualmente en sus películas se caracterizaba un estilo de su pasado como fotógrafo. 

Robert Richardson 

De los mejores directores de fotografía de la actualidad, de los veteranos. Tiene 3 Oscars, ha sido principalmente (en los 80s-90s) el director de fotografía de Oliver Stone, su colaboración con este le valió su primer Oscar por JFK (1992) aunque ha ofrecido grandes trabajos con el cineasta como las bélicas “Platoon” (1986) , “Nacido el 4 de Julio” (1989) o la violenta y gran propuesta fílmica que supuso “Asesinos Natos” (1994). Ha trabajado también con Martin Scorsese en 4 películas, destacan “El Aviador” (2005) ganó el 2 Oscar con esta cinta y “La Invención de Hugo” (2011) su 3 y ultimo Oscar, película con un despliegue fotográfico y visual espectacular. 

Actualmente, sus mejores trabajos como director de fotografía se acercan más a los films con Quentin Tarantino, que llevan trabajando juntos desde “Kill Bill” (2003 – 2004) la cual ofrece una fotografía increíble, con colores vivos, destacando el negro, amarillo y rojo como los colores principales y marcando un estilo setentero. Una muestra del trabajo de Richardson en “Kill – Bill” es en Vol1 la secuencia de la pelea de su protagonista interpretada por Uma Thurman y los 88 Maniacos, una secuencia impecable llena de creatividad fílmica y delirios visuales, cambios de color al blanco y negro en una misma secuencia, contraluces, movimientos de cámara que van acordes con su intensa violencia…

En general  Richardson ha marcado y respetado el estilo visual de las películas de Tarantino, plasmando su violencia y la personalidad del cineasta véase su ultima película “Erase una vez en Hollywood” (2019) o sus westerns ambos muy diferentes, “Django: Desencadenado” (2012) & “Los Odiosos 8” (2015), la primera es estética sureña y cálida, y la segunda todo lo contrario, una fotografía fría, una cinta que ademas recupero un formato olvidado, el 70mm ultra panavision (35mm es el tamaño estándar en cine) Actualmente esta rodando “The Batman” (2021) una cinta comercial super heroica, que resulta curioso encontrar a un director de fotografía en este tipo de películas, ansiosos por ver el resultado final. 

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Roger Deakins

Otro peso pesado de la fotografía de cine en la actualidad, británico, es de los veteranos, pero hasta ahora se le ha estado infravalorando, 14 – 15 veces nominado a los Oscar y por fin se le valora, en apenas pocos  años y con sus últimos trabajos, ya tiene 2 Oscars. El primero lo ganó por “Blade Runner: 2049” (2017) de Denis Villeneuve, un trabajo ciber-punk futurista espectacular, visualmente exquisito, creó un trabajo visual excepcional, con este director ya hizo “Sicario” (2015) o “Prisioners” (2013) ambas grandes trabajos.

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El último Oscar fue este mismo año por la delicia bélica “1917” (2019)  de Sam Mendes, otra colaboración habitual, creemos que no hace falta analizar su trabajo, simplemente con ver el film te das cuenta el porque de su segundo Oscar por esta cinta bélica. Esta realizada en varios planos secuencia (que funciona como uno solo) tiene una narrativa que parece contada en tiempo real, el manejo de la luz y los colores, mezclando cálidos y fríos en un mismo plano secuencia es algo espectacular, un trabajo fotográfico impecable. También es conocido por su trabajo con los Coen, ya que ha realizado la dirección fotográfica en casi todas las películas de estos. En general, es un director de fotografía con bastantes trabajos destacables y en diversos géneros. 

Emmanuel Lubezki

Conocido como el chivo , director de fotografÍa mexicano, más actual y ya tiene 3 Oscars, igualando a otros grandes mas veteranos, como los ya mencionados, grandes leyendas como Freddie Young, Vittorio Storaro o el mas reciente Robert Richardson. Su cine es marcado por sus colaboraciones con sus compatriotas Alfonso Cuarón y Alejandro Iñárritu. Su primer Oscar fué por “Gravity” (2014) la taquicardia propuesta espacial de Alfonso Cuarón, una cinta nada fácil de rodar y con un resultado que impacta.

Los otros dos gracias a Iñárritu, primero “Birdman” (2014) , visualmente no es pura belleza fotográfica, creemos que lo mejor es su maestría al rodarla, es muy teatral, todo en varios planos secuencia, da mucha fuerza a las interpretaciones y va muy acorde a la música. 

Es en “El Renacido” (2015) también de Iñárritu, donde da su estilo mas naturalista y poético, no se utiliza iluminación artificial, y todo se resume en una fotografía bella y naturalista, llena de primeros planos muy cercanos a su protagonista pero a la vez tiene planos abiertos y angulares con un gran encanto, una fotografía que resulta incluso gélida, las quejas del equipo técnico, por el trabajo en sus bajas temperaturas en el rodaje, salió a reducir en declaraciones de Lubezki defendiendo lo que tocaba para esta cinta, ya que una pantalla verde no era la solución, un autentico maestro de la luz, un resultado final que mereció la pena, además, técnicamente hablando, ya no solo es su belleza fotográfica si no que la colocación de la cámara acercándose a la acción y sus movimientos crean visualmente auténticas obras de arte en esta película. 

Rodrigo Prieto 

Otro gran director de fotografía, también mexicano. Se ha convertido en el nuevo director de foto de Martin Scorsese (ya han hecho 3 películas juntos) Scorsese suele cambiar en su larga filmografía de directores de foto, empezó con Michael Chapman y Michael Balhallus, como directores de foto en sus clásicos de gangsters, con “Casino” (1995) estrenó al ya mencionado y comentado Robert Richardson, hasta que llegó el mexicano. Rodrigo Prieto también tiene films con otros grandes como Almodovar, Ang Lee o las producciones mexicanas de Iñárritu.

Ha sido varias veces nominado a los Oscars, pero todavía no se ha alzado con la estatuilla dorada, sus últimos trabajos con Scorsese son de mención, en “El Lobo de Wall Street” (2013) consiguió salir de su estilo mas minimalista para plasmar una fotografía mas ambiciosa, una fotografía visualmente que parezca de los 80s – 90s. Con la mas reciente, “El Irlandés” (2019) ya se sabe que esta  película transcurre en diferentes épocas y se tuvo que rejuvenecer o envejecer a sus actores. Prieto tuvo que utilizar tres cámaras a la vez, especiales, para rodar las escenas de los actores y poder posteriormente rejuvenecerlos en postproducción. Lo mas destacable es que como la historia transcurre en diferentes épocas Prieto tuvo que cambiar la paleta de colores de la película y adaptarla visualmente a la época. El mismo indicó en una entrevista que estudio la gama de colores de Kodak de entonces para adaptarla. 

Darius Khondji

Medio iraní medio francés, director de fotografía actual, ya tiene un bagaje, curiosamente no tiene ningún Oscar, ha trabajado con grandes cineastas como Woody Allen, Michael Haneke, David Fincher, Roman Polanski , directores mas independientes como los Hermanos Safdie o directores franceses Jean-Pierre Jeunet y Marc Caro. Cambia mucho de estilo, trabaja con directores muy dispares con estilos y géneros que no tienen nada que ver, un director con gran prestigio por su variedad. 

Aun así destacamos su trabajo con David Fincher en “Seven” (1995) un thriller policiaco, con una fotografía muy particular, envuelve un ambiente sórdido y lluvioso, menos su secuencia final que es la única que realmente da un poco más de calidez. Es un film de tonos verdosos y marrones, con una iluminación baja y con contrastes muy altos, una fotografía en lineas generales destacable, retratando imágenes portentosas agudas incluso explícitas que se graban rápidamente en la retina.  

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Hoyte Van Hoyteman

De los grandes directores de fotografía del momento, de origen suizo, es bastante actual, tiene una escueta trayectoria en largometrajes y ya promete como el futuro en la profesión, se puede decir que ya juega en las grandes ligas y suena como el sustituto de Roger Deakins. Ha trabajado con Spike Jonze en “Her” (2013) donde tiene un trabajo muy acorde al cine del director y visualmente esta muy bien, películas europeas como su debut en la cinta sueca de terror “Dejame Entrar” (2008), pero lo curioso es que se ha convertido en el nuevo director de foto de Cristopher Nolan, hasta ahora desde “Memento” (2000) hasta “Origen” (2010) el encargado de este trabajo era Wally Pfister que de hecho fue oscarizado por el gran trabajo que hizo en “Origen”.Se ha pasado a la dirección y veremos si vuelve pero esta claro que si así fuese, Nolan no lo va tener fácil para elegir en el futuro, ya que Hoyteman ofrece en estas ultimas colaboraciones con Nolan (por las cuales en todas ha estado nominado a los Oscar) un mejor trabajo fotográfico, véase “Interstellar” (2014) donde se amolda un tipo de fotografía del gran Hollywood y ofrece una película de alarde técnico fotográfico increíble, que visualmente es un producto espectacular o la mas reciente película bélica “Dunkirk” (2017) donde lo mejor de la cinta lo pone la fotografía y la banda sonora. También repite en la próxima película del cineasta, “Tenet” (2020) aun por estrenar. 

Destacamos también su ultimo trabajo, en esta ocasión con James Gray “Ad Astra” (2020) fue raro no verle en los Oscar, esta claro que es por el alto nivel que había, pero fue otra gran propuesta de ciencia ficción muy potente, mucho mas minimalista, aun así debemos decir que las secuencias en interiores véanse las naves o las estaciones espaciales ofrece una fotografía que supera a “Interstellar” ya que estas secuencias era mas blancas y grises y quedaban mas planas. De todas formas, si es cierto que “Ad Astra” tiene mucho mas color y no esta lejos a la estética fotográfica que ofreció el ya mencionado y  analizado John Alcott en “2001:Odiseas en el Espacio” de Kubrick, ya que ambas se parecen, obviando los conceptos del género en las épocas ya que una es actual y otra de los 70s. No es el mejor trabajo de Hoyteman, pero seguro que quedará como el mas desconocido, y es una pena porque esta lleno de belleza visual y por eso queríamos destacarlo.  

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Newton Thomas Sigel

Cerramos nuestra amplia lista de directores de fotografía, con Thomas Sigel, americano, no será el más destacado, ya que esta mas ligado a trabajos comerciales. Sus trabajos se centran en las colaboraciones con Bryan Singer (donde han hecho tanto grandes superproducciones super-heroicas, como las de X-Men las dirigidas por el propio Singer o “Superman Returns” (2006) como films mas personales véase “Valkiria” ( 2008) )  también ha trabajado con Terry Gilliam pero destacamos el film que hizo con el danés Nicolas Winding Refn, ofreciendo su mejor trabajo hasta la fecha “Drive” (2011) una cinta de gran calidad, con una puesta en escena urbanita muy propia del downtown de Los Angeles, con una fotografía neónica muy colorida, de colores saturados, un film pequeño pero que deslumbra, esta hecha en su mayoría por secuencias nocturnas.

El uso de la cámara lenta aporta momentos líricos que le dan mucha fuerza, belleza  y encanto (uno ejemplo de esto seria la secuencia del ascensor, para nosotros, dicha escena es arte fílmico)