Ep 8: El Nuevo Hollywood

En episodios anteriores de la Historia del Cine, dimos un repaso por Europa durante y tras la II Guerra Mundial, primero por Italia, hablamos de su cine y destacamos el movimiento por excelencia surgido en los años 40s, el Neorrealismo Italiano y los mayores cineastas de este movimiento (véase Ep:6) con ello seguimos en el viejo continente, para hablar del cine de Francia, que se encontraba de capa caída, pero gracias a una nueva ola denominada la Nouvelle Vague que se extendió durante los 50s y dio un salto importantísimo en el panorama cinematográfico primero en Francia, y a continuación en el mundo, gracias a los cineastas más destacados de este movimiento (véase Ep:7). 

En este episodio volvemos a Hollywood. Nos encontramos en los años 60s, EEUU durante estos años, vivió una época de transito, del idílico sueño americano a una verdadera pesadilla, época marcada por el asesinato de John Kennedy y de Martin Luther King o la entrada de EEUU en la Guerra de Vietnam y en lo que el cine respecta, Hollywood pasaba una de sus peores crisis económica y creativa.  Los jefes de los estudios mas importantes eran ya personas muy mayores que seguían produciendo films muy caras y demasiado anticuadas, aparte de ser bastante decepcionantes a nivel historia. Un ejemplo claro seria “Cleopatra” (1963) con Elizabeth Taylor conocida por ser una de las películas con un rodaje complemente fuera de control que supuso una ruina absoluta para la productora. Pero no solo los grandes productores habían envejecido si no que el público también había cambiado, prestando mayor atención a la tv. 

En este contexto, con el cine que llegaba de Europa principalmente de la Nouvelle Vague se comenzó a tomar muy en serio la teoría del autor, que los propios cineastas de la nueva ola francesa expusieron cuando eran críticos, en la revista Cahiers du Cinema, teoría que les hicieron más tarde dejar la pluma y coger la cámara para rodar películas como auténticos autores. Esto sirvió de antecedente para que dos jóvenes americanos sin ninguna experiencia detrás de cámaras, Robert Benton y David Newman escribieran el guión de “Bonnie & Clyde” (1967) y se lo hicieron llegar a su idolatrado François Truffaut, este lo rechazo, pero se lo paso a su compatriota Jean-Luc Godard el cual tampoco se comprometió…Tras estos tumbos finalmente el guión acabo en manos del actor Warren Beatty, que hasta entonces y en esa época era un galán de Hollywood (aunque siempre dijo que no se sentía muy cómodo en ese rol) así que cuando leyó el guión se comprometió, ejerciendo como productor aparte de protagonizarlo, vio la oportunidad de salirse de esa etiqueta. Como director fue seleccionado Arthur Penn (admirador de la nueva ola francesa, y que ya había trabajado con grandes estrellas durante los 60s como Marlon Brando, Paul Newman o el propio Warren Beatty). Si es cierto que la historia real de la pareja de criminales mas conocida durante los años 30s había inspirado películas previas, pero esta versión era la más salvaje, sin ningún tipo de regla establecida por ningún gran estudio, además puso en pantalla por primera vez alguna que otra cara nueva como Faye Dunaway o Gene Hackman. La película enloqueció al publico joven por su violencia y su falta de censura. Junto con “Bonnie & Clyde”  (1967) se estrenó otra gran película rompedora en esos tiempos, “El Graduado” (1967) una propuesta que se despego por completo de los films de Hollywood vistos hasta la fecha, con una naturalidad nunca vista y despego la carrera de su director Mike Nichols y no solo descubrió si no que directamente catapulto a su protagonista Dustin Hoffman. Como un pilar donde se rompía con el aspecto de galán clásico y se acercaba hacia algo más común y corriente.  

Esta misma época fue la llegada del polaco Roman Polanski a Hollywood con “La Semilla del Diablo” (1968) y que durante los 70s supuso el mejor momento profesional (que no personal) con films como “Chinatown” (1974). Al margen de los grandes estudios, había algo que estaba germinando y suponía el inicio real del Nuevo Hollywood, gracias al productor Roger Corman, al amparo de las productoras mas pequeñas, producía películas de bajo presupuesto pero no dejaba de explotar los géneros mas populares entre el público, por lo que más destacó fue por dar oportunidades a cineastas que en ese momento no las tenían, dándoles la confianza de producir o dirigir algunas de sus producciones (aunque realmente lo hacia porque era mano de obra barata)  entre estos nombres encontramos actores y directores como Peter Fonda, Dennis Hooper,  Francis F. Coppola , Peter Bogdanovich o Jack Nicholson…vamos el caldo de cultivo del Nuevo Hollywood.

Dennis Hooper, venia de ser un eterno secundario en producciones como “Rebelde sin Causa” (1955) o “Gigante” (1956) ambas protagonizadas por su amigo James Dean. Respecto a Peter Fonda, era hijo del mítico Henry Fonda y hermano de la también actriz Jane Fonda en una época donde la carrera de esta crecía por momentos. Tanto Peter Fonda como Dennis Hooper, tenían apatía por la industria de entonces, trabajaron juntos gracias al ya mencionado Roger Corman en cintas como “The Trip” (1967) . Gracias a la creación de Raybert Productions productora que buscaba su inspiración el la Nueva ola francesa y dar voz a los nuevos talentos, pusieron en marcha “Easy Rider” (1969) idea de Peter Fonda que co-escribió con Dennis Hooper, este ultimo también la dirigió aparte de ambos protagonizarla, un film que marco el inicio de la contracultura ya mencionada, el movimiento hippie, una película sobre dos moteros que recorren el país, durante el trayecto se topan con amigos, enemigos y muchas drogas, de hecho estas sustancias prohibidas formaron parte detrás de cámaras, lo que dio pie a varias anécdotas como la de Jack Nicholson rodando sus escenas digamos que totalmente…drogado. Una película con un presupuesto de 400 mil dólares pero recaudo cien veces más de lo que costo. Pero el nacimiento del nuevo Hollywood tuvo una mancha negra que marcó, el asesinato de la mujer de Roman Polanski, Sharon Tate, por parte del clan de Charles Manson, un mes después del estreno de “Easy Rider”. 

Ese hecho tan oscuro supuso un despertar de un ambiente pesimista que cada vez reflejaba mas la realidad de las propias películas, esto se veía en trabajos de Bogdanovich como “The Last Picture Show” (1971) o del ya mencionado Coppola, este ultimo ya le conocemos de sobra, por su mas que destacada carrera, empezó como asistente de Roger Corman y luego utilizó el material que este le prestaba para llevar acabo películas de terror de serie b, dirigió tres películas mas pequeñas y creo su propia productora American Zoetrope, deseando producirse sin las restricciones de las grandes productoras, se añadió el segundo nombre “Ford” en honor a su admirado John Ford, pero su nula suerte económica le llevo aceptar una propuesta de Paramount, un best-seller que narra la historia de una familia de gangsters de los años 40s, acepto pensando en tener que batallar con los ejecutivos del estudio para imponer sus condiciones que le dejaran trabajar tranquilo, lo que no supo que esa experiencia iba ser la catapulta que le encumbró como cineasta, así es como nació “El Padrino” (1972) y sus secuelas. Obra maestra que dio a conocer a otros grandes de la interpretación como Al Pacino, James Caan, Diane Keaton o la breve pero intensa carrera de John Cázale por su prematura muerte, ya que en los 70s hizo 5 películas pero todas fueron nominadas a los Oscar.

Al igual que Coppola o Bogdanovich, en los 70s llego William Friedkin que no dejaba de estar inspirado como casi todos, en la Nueva ola francesa y en su realismo, factor que retrató en el policiaco “The French Connection” (1971) o el bombazo y revolución en el genero que supuso la terrorífica “El Exorcista” (1973) alejándose del encanto gótico que tenia el cine de terror hasta entonces buscando una esencia más realista y cotidiana.

Ya en los 70s, mientras Friedkin, Coppola y Bogdanovich buscaban acuerdos, bonos y beneficios con los diferentes y grandes estudios de Hollywood surgía una segunda camada de cineastas que salían directamente de las Escuelas de Cine, de aquí tenemos nombres como Brian de Palma, Martin Scorsese, George Lucas y Steven Spielberg. De Palma empezó a destacar cuando prestaba ideas mas lúgubres, con un estilo muy símil a Hitchcock más radicalizado pero manteniendo la misma esencia de suspense, véase “Fascinación” (1976) o “Carrie” (1976) . 

Desde Nueva York tenemos a Scorsese tras realizar en la Universidad de su ciudad varios cortos y un medio metraje, entablo amistad y dupla con Harvey Keitel, tras editar un documental y colaborar también con Roger Corman, busco realizar un buen largometraje, lo consiguió gracias a la Warner que en ese momento apostaba por los jóvenes realizadores y filmo “Malas Calles” (1973) donde se vio por primera vez la dupla De Niro – Scorsese. Dejando claro ya el estilo callejero y neoyorkino que iba marcar el cine de este, estilo que exploto con “Taxi Driver” (1976) consagrando no solo a Scorsese si no también a su protagonista y amigo Robert De Niro. 

Entre el pesimismo y la decadencia visual que marcaba las películas del cine del Nuevo Hollywood, Spielberg dio el salto con su primera oportunidad gracias a Universal, realizando su primera película para tv “El Diablo Sobre Ruedas” (1971), “Loca Evasión”(1974) fue su debut en el cine y la que le catapultó fue un año más tarde “Tiburón” (1975) que tras romper la taquilla genero secuelas y parodias, “Encuentros en la Tercera Fase” (1977) supuso otro éxito y acercamiento a películas grandes y del genero, que le marco como un referente, la Ciencia-Ficción. Lo que unía a estos tres cineastas (De Palma, Spielberg y Scorsese) fue Paul Schrader el guionista que escribió “Fascinación” para Brian de Palma y “Taxi Driver” para Scorsese, y participo en el guión de “Encuentros en la Tercera Fase” de Spielberg.

Si hay un director afín a Spielberg, ese es George Lucas  que empezó como asistente de Coppola, hecho que le llevo a filmar la película de ciencia-ficción “TXH:1138” (1971) producida por el propio Coppola, aunque tuvo mas acogida y mejor suerte la biográfica  “American Graffiti” (1973) pero todos sabemos que su vida y la de millones de personas cambio con la space opera “Star Wars” (1977) que junto con “Tiburon” dio inicio a una nueva era de superproducciones con un gran aparato publicitario que se extiende hasta nuestros días.

Debemos mencionar otros cineastas de otros ámbitos e incluso de generaciones pasadas, que destacaron con grandes obras en los 70s, y que fueron fundamentales en el Nuevo cine estadounidense, como el inicio de la carrera de Woody Allen, con sus comedias satíricas o la llamada “generación de la televisión”  con nombres como Stanley Kramer, Robert Altman, Sidney Lumet, procedentes de la tv en los 50s donde ya habían dirigido sus primeras películas de estudio, por ejemplo, Lumet, dirigió películas a lo largo de varias generaciones, pero durante el nuevo Hollywood ofreció auténticos peliculones con Al Pacino, como “Serpico” (1973) o “Tarde de Perros” (1975),  John Frankenheimer o el ya mencionado al principio de este articulo, Arthur Penn, siguieron esta senda de grandes obras con un sistema de producción más ágil propio de la tv, obras con historias mas realistas y alejadas de las fantasías  idílicas de Hollywood. 

Sin olvidarnos de otros nombres como Sam Peckinpah, con un origen en westerns para la tv fue polémico por hacer apología de la violencia en sus películas y conocido por sus salvajes westerns como “Grupo Salvaje” (1969) y durante los 70s, también trabajo con grandes y nuevas estrellas como Dustin Hoffman en “Perros de Paja” (1971) o con ya super estrellas de los 60s – 70s como fue Steve McQueen con “La Huida” (1972). Terminamos con Milos Forman, ganador del Oscar por “Alguien voló sobre el nido del Cuco” (1975). 

Muchos de estos directores del Nuevo Hollywood no siempre consiguieron mantener el nivel, y más en esa explosión de libertad creativa, pudiendo prescindir de los grandes estudios para firmar grandes obras, a finales de los 70s Scorsese tuvo sus primeros fracasos como “New York, New York” (1977), Friedkin paso lo mismo con “Carga Maldita” (1977) que ademas paso un infierno de rodaje generando muchas perdidas aunque el caso más extremo fue el de Michael Cimino que tras la obra maestra “El Cazador” (1978) que le supuso el Oscar como mejor director pero no consiguió levantar el nivel ya que fracaso con “La Puerta del Cielo” (1980) su proyecto mas grande y supuso la debacle de United Artist, su carrera no volvió a ser la misma. 

Los excesos de la época fue la perdición de algunos actores o directores, entre esta locura los productores volvieron a coger las riendas y pensaron que los directores tenían demasiado control en sus films, con esto finalizo un periodo fundamental de una generación de cineastas que continuaron sus carreras con mayores o menores éxitos, pero que cambiaron no solo Hollywood si no la historia del cine.